文、圖／陳效真（音樂文字工作者）
時隔6年，擁有鋼琴家、指揮家與作曲家三重身分的普雷特涅夫（Mikhail Pletnev）再度回到台灣舉辦獨奏會。雖然普雷特涅夫去年曾出現台灣表演舞台，但那次是擔任小提琴家洛札科維奇（Daniel Lozakovich）的二重奏搭檔，對於懷念普雷特涅夫完整掌控音樂詮釋的愛樂者來說，這是期待已久的亮眼回歸。演出曲目橫跨貝多芬與葛利格，正好對應他一貫的音樂思考軌跡：從經典作品語言中，提煉音樂的核心概念，再透過個人觀點，以細密的多層次音色，進行重構與詮釋。
普雷特涅夫的鋼琴演奏以高度個人化的詮釋觀點聞名。他從不將演奏視為傳統詮釋的再一次重複，而是以探索心為基礎，發掘樂譜中的潛在邏輯與語意。這種演奏觀源自他早年對「音樂應如何被演奏」這一命題的質疑與反思。清楚確立個人的演奏信念之後，多年來，普雷特涅夫一直對音色與樂句處理抱持著極度嚴謹的執著態度。
也因此，曾有一段時間，普雷特涅夫因無法接受現代主流品牌鋼琴在音色上的限制，選擇暫別鋼琴舞台。直到河合鋼琴 為他量身打造SHIGERU KAWAI SK-EX型號專用鋼琴，並提供專屬調音團隊，讓他得以隨心所欲打造他心目中的理想音色，才又重新投入鋼琴演奏。這並非單純的品牌偏好，而是他對聲響細節與結構平衡的實踐條件。針對這種獨特性，他曾這樣形容：「只要三個簡單的音符，加上一個踏板，就可以立刻讓人聽出不同。」這一信念，使他的演奏總在微細處展現獨特點，明明是大家耳熟能詳的名曲，也能開拓出令人驚嘆的五彩繽紛新世界。關於這個特質，我先前已經在另一篇文章中詳述，有興趣的愛樂者不妨參閱（https://reurl.cc/2KeYVa🎼）。
此次獨奏會選曲可視為他近期音樂探索方向的延伸與凝鍊。上半場兩首貝多芬奏鳴曲：《悲愴》與《月光》，都是18世紀末至19世紀初鋼琴語言中最具象徵性的作品之一。他沒有選擇炫技意味更濃的《熱情》或《華德斯坦》，而是聚焦於結構與情緒並重的早期奏鳴曲。這不僅展現其一貫強調內在邏輯與呼吸的理念，也凸顯他重新解讀作品的能力。
《悲愴》與《月光》跨接了古典主義的嚴謹結構與浪漫主義的流動情感。普雷特涅夫詮釋貝多芬時，注重真摯率性的情感與清晰的結構，也就是「以音樂說話」的能力。《悲愴》以第一樂章的沉重導奏與快板主部的激烈對比，表現命運的叩問與抗爭；《月光》則以第一樂章的靜謐三連音與第三樂章的激昂琶音，呈現從沉思到掙扎的情感轉換。對於《悲愴》，他傾向強調導奏的沉重感與主部的激情，通過音色變化與樂句呼吸，巧妙塑造樂章間的連貫性。《月光》第一樂章，他常利用鋼琴吹彈即破的弱音，營造千變萬化的夢幻氛圍，如同水面的粼粼波光，看似靜謐，實則變幻莫測。第三樂章則展現技術的爆發力，他的演奏避免表面的誇張，而是注重每個樂句的音色層次，類似他在第三十二號奏鳴曲第二樂章中所展現的晶瑩高音域弱音。普雷特涅夫近年更明顯的表現即興傾向，往往演出中加入當下的細微修飾，馬上讓一部作煥然如新。
下半場葛利格《抒情小品》選曲亦頗具巧思。從第一冊至第十冊的66首曲中選出16首，涵蓋葛利格多個創作階段；從民謠風格、浪漫樂句到舞曲變奏，展現極高的選曲編排技巧。普雷特涅夫不把這套作品當成輕鬆小品，而是付出宛如詮釋經典大作般的細膩通透，尋求這些短曲之間的內在關聯與敘事邏輯。他不強調作品的北歐民族風格或敘事性，而是處理形式與詩意間的微妙交界，從中挖掘可供聆聽者品味反芻的語境。
近年普雷特涅夫與舞台、作品、樂器與聽眾之間的關係，始終堅持對「墨守成規」或「照本宣科」絕不妥協的態度。無論是與小提琴家洛札科維奇合作發行室內樂專輯（https://reurl.cc/j92Wo2🎼），或是在不同音樂會形式中持續拓展曲目與演出方式，普雷特涅夫的藝術選擇皆體現出他對「自由詮釋」與「形式掌控」並重的思維。從歷年錄音與公開演出觀察，普雷特涅夫不傾向錄製「地圖式」的大量鋼琴曲目全集，而是慎選具有詮釋縱深的作品，進行精細而聚焦的處理。
闊別台灣獨奏會舞台多年，這次無疑是對普雷特涅夫近年音樂思維的集中展現。貝多芬與葛利格作品雖風格迥異，但聽眾必能在普雷特涅夫的處理下，體悟到他詮釋邏輯的一致性。特別是透過他的專屬鋼琴、獨門演奏技巧，除讓觀眾聆賞原作的精妙，更可以聽到他構築的美學與哲學。最後提醒一點，隨著年歲積累，普雷特特涅夫益形孤絕而任性，經常瞻之在前、忽焉在後。先前曾有的表現，也許會在下一場自我推翻，讓每次演出都成為驚喜。這也許是他永遠讓人高度期待的原因，就請觀眾們到現場見真章吧！
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